ピアニスト・栗原麻樹に聞く「表現力の磨き方」──審査員・指導者の視点から見えた「その人にしかない音」の正体

1台のピアノから、なぜこれほど濃密で、オーケストラのような色彩が立ち上るのか──。

去る8月、広島で開催されたピアノリサイタル。客席でその響きを体感した筆者は、その表現の源流に強く惹きつけられました。

演奏されていたのは、ピアニストの栗原麻樹さん。15歳で渡仏し、12年間に及ぶ留学生活を経て、現在は国内外で演奏活動をされていらっしゃいます。また、並行して様々なコンクールの審査員や、指導者としての活動にも情熱を注いでいらっしゃいます。

今回のインタビューでは、審査員席から見つめる「惹きつけられる音の正体」や、指導の際に「内側から湧き出る表現」を引き出すために心がけていること、さらに栗原さんご自身が名曲『シェヘラザード』へどのように向き合い、どうやって曲のイメージを広げていかれるのかを伺いました。

音色を探り、作品の世界を思い描くその営みは、楽器の違いを超えて通じ合うもの。ピアノを弾かれる方はもちろん、ほかの楽器を演奏されている方や、吹奏楽やオーケストラで音楽に向き合っている方にも、音作りのヒントになる内容です。

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プロフィール

【主な受賞歴】
ピティナ・ピアノコンペティション、全日本学生音楽コンクールなど数多くのコンクールで上位入賞／浜松国際ピアノアカデミーコンクール 上位入賞・モストプロミッシングアーティスト賞／大阪国際音楽コンクール 第2位／アルカッション国際ピアノコンクール（フランス）第1位／マイエンヌ国際ピアノコンクール（フランス）第1位

【主な演奏活動】
パリ日本文化会館（フランス）などフランス、イギリス、スペインほか国内外のホールや、ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン、Hakuju Hall、東京文化会館、銀座ヤマハホールでリサイタルを開催し、公益社団法人日本演奏連盟／増山美知子奨励ニューアーティストシリーズを授与される。アニメの劇伴への参加のほか、ラジオ、テレビ、雑誌などに多数出演・掲載。2023年『月刊ショパン』4月号の表紙を飾る。CD『Couleur』『愛の小径』『舞踏への誘い』をリリース。『舞踏への誘い』はタワーレコード渋谷店クラシックウィークリーランキング1位となり、時事ドットコム、『レコード芸術』『音楽現代』などにも掲載された。

【指導・審査】
ピアノ教室を主宰し、後進の指導に力を注ぐ。ピティナ・ピアノコンペティション、日本クラシック音楽コンクール、PiaDOORクラシックコンクール、日本バッハコンクール、ブルグミュラーコンクールなどの審査を担当。スタインウェイ・エデュケーショナル・パートナー。

審査員席で思わず顔を上げたくなる「人格を持った音」とは

現在、主に5つのコンクール（ピティナ・ピアノコンペティション、日本クラシック音楽コンクール、PiaDOORクラシックコンクール、日本バッハコンクール、ブルグミュラーコンクール）で審査員を務めていらっしゃる栗原さん。他のコンクールも含めると、年間で15～20日審査に臨み、自分の生徒の応援で聴きに行く日も合わせれば、年間30日近くはコンクールでの演奏を聴き続けているのだそうです。

そんな栗原さんですが、数え切れないほどの演奏を聴き続ける中で、「心に響く演奏」には明確な共通点があると言います。

── 栗原さんがコンクールの審査に臨むとき、「この人の音をもっと聴きたい」と感じる瞬間はありますか？

栗原麻樹（以下、栗原）
はい。実は、「上手」「下手」という基準だけではなく「この人の演奏をまた他の曲でも聴きたいな」という出会いが時々あるんです。コンクールには時間制限がありますよね。大人なら8分～10分、子供なら3～4分のことが多いですが「もっと長く、この人の演奏に浸っていたい」と思わせる方が確かにいらっしゃいます。そういう方には、審査員としても良い点数を付けたいなと素直に思います。

── 弾き始めた瞬間に「この人は違う」と分かるものですか？

栗原
大体数小節で、すぐに分かりますね。私達は講評をたくさん書かなければならないので、演奏中は下を向いてペンを走らせていることが多いんです。でも「あ、この子すごくいい音だな」と感じると、思わず顔を上げたくなります。「どういう姿勢で、どういう風にピアノにアプローチしているのかな」と、どうしても目で確認したくなるんです。

── 「パッと顔を上げたくなる演奏」とは、音量やテクニックとは別の次元にある魅力なのでしょうか？

栗原
ええ。魅力についてはいろんな側面から評価できますが、音量が大きいから良いというわけでは決してありません。一つ本当に素晴らしいと思うのは、フォルテシモでも音が割れず、ピアニッシモでも芯があって、豊かにホールを鳴らしきっている方。大きなホールになればなるほど、輪郭のしっかりした豊かな美しい音を遠くまで響かせるのは、本当に難しいことですから。

── そうした響きを身につけるために、普段から意識できることはありますか？

栗原
具体的にアドバイスをするとすれば、指や肘前だけで弾くのではなく、上半身や身体全体を使ってみてください。弾いたら押し込まず、遠くに音を飛ばす感覚で弾くとダイナミックな演奏が出来るはずです。

また、大きなホールでは残響も考えてペダルを少な目にして、高音をクリアに響かせるように意識してみてください。普段の練習から意識して音色作りや音楽作りをすると、格段に良くなると思います。

── 審査員には演奏者のプロフィールがどこまで伝わっているのですか？

栗原
公平を期すために、私達の手元に個人的な情報は一切来ません。番号だけで審査します。日本クラシック音楽コンクールのように男女別の部門で、学生さんの学年だけが公表されるケースもありますが、誰が弾いているのかは全く分かりません。だから素晴らしい演奏に出会っても、それが「幻の演奏」みたいになってしまうことが多いんです。

5年後、10年後にその方がプロとして出てきた時に「あの時の！」と答え合わせができたら嬉しいですが、確かめようがないのが少し寂しいところでもあります。「またどこかで会えたらいいな」と願いながら審査席に座っているんですよ。

── 名前も顔も分からない中で、演奏の個性はしっかり伝わってくるものなのですね。

栗原
楽器の音色ってすごく面白くて、よくSNSなどで「ピアノは誰が鍵盤を押しても同じ音が出るんじゃないか」という議論がありますが、実際は全く違います。一人ひとり、全く違う人格や顔を持った音が出ているんです。コンクールでは何十人もの演奏を同じ日にまとめて聴くので、その音色の違いがより顕著に分かります。そこがコンクール審査の醍醐味であり、面白いところですね。

弾き合い会やレッスンなども合わせると、年間800人くらいの演奏を生で聴いているわけです。こんなにピアノ人口が多いことにも驚きですが、もちろんまだ聴けてない、出会ってない人の方が多い。一人一人の音楽への向き合い方があって、一人一人のピアノ人生があるというのは、本当に感慨深いですね。

── コンクールといえばミスタッチを恐れる参加者も多いと思うのですが、審査員にはどのように聞こえているのでしょうか？

栗原
「たまたま本番で上がってしまって出たミスタッチ」なのか、「普段から弾けていないんだろうなというミスタッチ」なのかは、聴けばはっきりと分かります。同じパッセージが繰り返される時に毎回音が濁ったり、和音やオクターブなどその人の「弱いポイント」が見えたりすると、「この人は持っているテクニック的にここが弾きにくいんだな」と見抜けます。

逆に、緻密に音楽を作れているのに一箇所だけ指がもつれてしまったようなミスは、審査員も「緊張して外してしまっただけだな」と分かった上で評価しています。だから極端にミスを恐れる必要はありません。

表現とは、基礎という「骨組み」に対してどんな「肉付け」をするか

ピアノ教室の先生としても活動されている栗原さん。教室ではレベルや年齢など関係なく、広く生徒を受け入れていらっしゃいます。年に1度の発表会や、2台ピアノ企画、アドバイス付き弾き合い会も人気を博しているのだそう。たくさんのイベントを通して、栗原さんや生徒さん、ピアノを学ぶ方々が交流されています。

現在は約60名の生徒が在籍し、その8割が大人だといいます。同業者であるピアノ指導者も教えを乞うというそのレッスンでは、一体どのような指導が行われているのでしょうか。

── 栗原さんは指導者としてピアノ教室も主宰されていますよね。生徒さんの中からその人自身の魅力ある表現を引き出すために、工夫されていることはありますか？

栗原
私の教室の生徒さんは、始めて5年目くらいの方もいれば、すでに音大を出てご自身もピアノの先生をされているけれど、さらに演奏に磨きをかけたいという同業者の方、コンクールや受験を目指す10代の子など様々です。

レッスンではその方のレベルや目標によって話す内容が変わりますが、共通して大切にしているのは「楽譜に忠実であること」です。楽譜に書かれているのは音符だけではありません。アーティキュレーション*、フレージング、強弱、どこで抜いてどこで落ちるか……そういった情報がたくさん詰まっています。音符だけを追って弾くのは、言ってみればモールス信号と同じ。そこにどう抑揚をつけ、表情をつけていくかが「表現」の第一歩になります。

── モールス信号！ ただ音を並べるだけでは音楽にならないということですね。

栗原
指導の現場では「もっと音楽的に」とか「歌って」という言葉が使われがちですが、抽象的で分かりにくいですよね。だからこそ、息の長さを具体的に共有します。「どこまでが一つのフレーズとして、一息で歌えるのか」を、しっかり意識してもらいます。

また、上級レベルになってくると「絶対にこう弾きなさい」とはあまり言いません。「私はこういう風に弾きたいけれど、あなたならどう思う？」と、フレーズの長さやリズム感の選択肢を提示します。

── 生徒さん自身の意見とすり合わせていくのですね。生徒さんの演奏について、「その弾き方もいいね」と感じることもあるんでしょうか？

栗原
はい。答えは一つではありませんから。そこが音楽の面白いところですよね。骨組みはしっかりしてないといけないので基礎は徹底しますが、その周りにどんな肉をつけるかは、人それぞれ。同じ曲を何千人、何万人という人が弾く中で、答えが一つではないからこそ、色々なピアニストが存在するんです。

だからこそ、コンクールなどでも自分が弾く前はともかく、弾いた後には他の参加者の演奏をしっかり聴いてみてほしいですね。なぜその演奏が良かったのか、あるいは悪かったのか、どうしたらもっと良くなるのかなど考えることで、とても勉強になりますよ。

── 栗原さんのX（旧Twitter）でのご発信で「見本となる演奏をコピーして、上澄みだけの演奏になってしまう人がいる」というお話がありました。コンクールでもそういう演奏に出会うことはありますか？

栗原
ありますね。「人間、食べたものしか出てこない」と私は思っているので、いろいろな演奏を見たり聴いたりして外からインプットすることも大切です。でもそれをそのままコピーしてしまうと、その人自身の音楽が見えにくくなってしまいます。

審査席から見ていると、それはすぐに分かります。特に「こんなところで絶対そんな動きはしないだろう」という大げさな手や体の動きを子供がしている場合。小さいお子さんが体重を乗せるために大きく動くのは理解できます。でも必要のない動きをして手元がぶれ、結果的にミスタッチを誘発してしまっていることがあります。そういう時は、講評にも「少しやりすぎです」と書くようにしています。気付いてほしいという気持ちを込めて。

── 動きだけを真似して、音楽が伴っていない状態なんですね。

栗原
明らかに先生の影がちらつく演奏に出会うと、本当にもったいないなと感じます。本来、体の動きで音楽を表現するわけではありません。「こういう風に表現したい」という明確な意思があって、そのためにテクニックや動作がついてくるのが正しい順番です。動作が先に来てしまうのは本末転倒。上澄みだけを真似しても、その子のためにはなりませんから。

*アーティキュレーション：音と音のつながりや切り離し方（スタッカート、スラーなど）で音楽に表情をつけること。

15歳でパリ国立高等音楽院へ。フランス留学と恩師からの教え

15歳という若さで海を渡り、パリ国立高等音楽院へ進学した栗原さん。その後、計12年間の留学生活で様々な研鑽を積まれたことが、栗原さんの音楽観の形成に大きな影響を与えたと言います。フランスでのご経験について伺いました。

── 15歳でフランス・パリに渡られたきっかけは、故・中村紘子先生だったとお聞きしました。

栗原
そうなんです。小学5年生くらいの時に、母が私の演奏を録画したビデオテープを紘子先生に送ったんですよ。そうしたら、わざわざお電話をくださって「ぜひうちに（レッスンに）いらっしゃい」と言ってくださったのが紘子先生との最初の出会いでした。

先生が監修されていた「浜松国際ピアノアカデミー」で色々な海外の先生のレッスンを受けたり、海外のコンクール審査に同行させていただいたりもしました。小学6年生か中学1年生くらいの時でしたが、その時にはなんと清塚信也君も一緒に行ったんですよ。私と一緒に紘子先生の教えを受けていらした方の中には、今ピアノ界を牽引されている方々も多くいらっしゃいました。

紘子先生はご自身がジュリアード音楽院に行かれていたこともあり、海外の先生に就くことを重要視されていました。「1日でも早く留学しなさい」と。だから私もいつしか「海外に出なくては」と考えるようになったんです。

また、私の母の先生であり私の恩師でもある深沢亮子先生も、10代の若い頃にウィーンへ留学されていて。深沢先生は今も現役で演奏されている素晴らしいピアニストなのですが、そうした身近な大人たちが海外へ行くことに理解があったのは大きかったですね。

── そのなかで、なぜフランスを選ばれたのですか？

栗原
「フランスでなければ」と強く思っていたわけではないのですが、その時に習いたいと思っていた先生、ブルーノ・リグット先生がパリ国立高等音楽院にいらっしゃったからです。また、当時エコールノルマル音楽院（パリの名門私立音楽院）に在籍しながら日本でも教えていらした中沖玲子先生というチャーミングな方に憧れて、「フランスってこんな素敵なんだ」と感じたのもきっかけの一つです。

── 15歳でフランスへ渡られて、日本とのギャップに苦労されたことはありましたか？

栗原
音楽の環境というより、日常生活を送るのが本当に大変でした。フランスはお国柄としてデモやストライキが日常茶飯事で、人々の主張がとにかく強いんです。

一方で、学費に関しては国からの補助が手厚く、私が最初に入ったパリ国立高等音楽院は、年間数万円でした。その後に通ったパリエコールノルマル音楽院やスコラカントルム音楽院といった私立でも、当時の金額で年間20〜30万円程度でしたね。

フランス語でのアナリーゼ（楽曲分析）*の授業なども本当に苦労しましたが、自分を強く主張しないと何も始まらない環境で12年間サバイバルしたことで、人間としてはすごく強くなれたと思います。

── 様々な先生から指導を受けられた中で、ご自身の表現作りに影響を与えた言葉やエピソードはありますか？

栗原
当時はただ必死に受け止めていた教えが、今指導する側になって「こういうことだったんだ」と腑に落ちることがあります。

なかでもトルコ人のフセイン・セルメット先生には強い影響を受けました。昔NHKの『スーパーピアノレッスン』*という番組に出演されていたんですが、テレビカメラが入っていても一切お世辞やリップサービスがなく、ひたすらしごき倒していらっしゃいました（笑）。とにかく細かくて、本当に音楽に忠実な方なんです。

先生が叱るのは「練習してこないから」ではなくて、「音楽が成り立っていない」ことに対する怒りです。「なぜ君はそういう風に弾くんだ！」と。音楽を愛しているがゆえに妥協を許しません。昨年もトルコ旅行中に演奏を見てもらったんですが、1小節単位でこだわってアドバイスしてくださいました。

それから、故ガブリエル・タッキーノ先生からもかなり影響を受けています。タッキーノ先生はプーランクの直弟子だった方で、言わば私は「プーランクの孫弟子」にあたります。タッキーノ先生はフランス特有の洒脱（しゃだつ）さやエスプリを持ったお茶目な先生で、私が今プーランクを弾く時にも先生から受け継いだ感覚が生きているのを感じます。

私の生徒さんもフランスもの、ラヴェル、ドビュッシー、プーランクなどを持ってくることが多いから、こういう感覚は受け継いでいきたいですね。

*アナリーゼ（楽曲分析）：楽譜の構造を細かく読み解き、和声（コード）の進行やフレーズの構成、作曲家の意図などを座学で深く勉強する授業のこと。

*スーパーピアノレッスン： NHK教育テレビ（現Eテレ）で放送されたクラシック音楽番組。世界最高峰のピアニストたちが講師を務め、若い奏者へ受講曲の深層に迫る指導を行う内容で、音楽ファンの間で大きな反響を呼んだ。

『千夜一夜物語』読了と中東への旅。異国の「湿度」を指先に宿すために

栗原さんは現在、12月20日のリサイタル『千夜一夜物語──4th CD発売記念＆Birthdayリサイタル』に向けて、リムスキー＝コルサコフの『シェヘラザード』に取り組んでいらっしゃいます。

筆者が8月に訪れた広島でのリサイタルでは、『シェヘラザード』の第2楽章と第3楽章を披露。まるでピアノの向こう側からあるはずのないオーケストラの音が響いてくるような濃密な表現と密やかな世界観に、息を吞むような思いでした。

栗原さんご自身は、楽譜の奥にある表現をどのように掘り下げているのでしょうか？その実践について伺いました。

── 『シェヘラザード』を拝聴したときの何とも言えない濃密な音色が、今も心に残っています。あの音色はどのようにして生まれたのでしょうか？

栗原
先ほども言いましたが、私は「人間、食べたものしか出てこない」と考えています。それには見たものや聴いたもの、感じたことも含みます。だから、練習の大切さは言うまでもないですが、それ以外にも美味しいものを食べたり、人と会ったり、舞台を観劇したり、いろいろな経験を自分の血肉にすることが大事。最終的に出てくるのは自分の音楽というか、自分のものであってほしいというのが私のモットーなんです。

例えば『シェヘラザード』を弾くにあたっては、ベースとなる『千夜一夜物語』を読みました。箱入りで全部で11巻あります。

── 11巻をすべて読まれたんですか？

栗原
ええ。読まなければ弾けないというわけではありませんが、例えばリストの『ダンテを読んで』*を弾くなら、ダンテの『神曲』を読んでいないのは良くないと思うんです。それに、キリスト教に密接に関わる音楽を弾くなら、旧約聖書や新約聖書にも目を通しておくべきですね。

ほかにも作曲家が生きていた時代の歴史、生活、服装などを知っておくことは、曲の解釈にもつながってきます。例えばモーツァルトやハイドン、ベートーヴェンの時代の「プレスト（非常に速く）」は、現代の「ロケット」のような速さではなく「馬」が走る最高速度の感覚だったかもしれない。宮廷の分厚く重いドレスを着て踊る時の動きづらさを知っていれば、当時の舞曲のリズムやテンポ感の解釈も変わってきます。

直接的に演奏に活きるか分からなくても、「知らなくて表現できない」より「知っていて使わない」方が、演奏家として誠実だと思うんです。私が好奇心旺盛で、読まずにはいられなかったというのもありますけど。

── 『千夜一夜物語』を読まれてみて、楽曲へのイメージは変わりましたか？

栗原
『千夜一夜物語』は大半がハーレムを舞台にした大人向けのお話なんです。なかにはアラジンやアリババのような子供も読めるお話もありますが、エロティックな描写も多くて。でもそれを知ることで、ヴァイオリンソロで演奏される王妃シェヘラザードのテーマ（第2楽章の冒頭や全編を通して様々に登場）が、いかに艶めかしいものかが肌で分かります。さっぱりした子供向けの音楽ではない。アラビアンナイト特有の湿度や色気を音に乗せるためには、やはり物語の背景を知っておいて良かったと思います。

── 本を読むだけでなく、実際に中東やアジアへも足を運ばれていますよね。

栗原
はい。昨年はトルコ、今年はモンゴルに行きました。シルクロードの文化や、中東の人々がどういう生活をしているのかを自分の目で確かめたくて。トルコではオスマン帝国のハーレムの跡地を見たり、モスクの荘厳さを体感しました。

特に印象的だったのが、イスラム教の礼拝を呼びかける「アザーン」です。夜明け前から1日5回、街中に響き渡るんですが、それを聴いた瞬間に「あ、全く違う文化圏、異国に来たんだな」と雷に打たれたような感覚になりました。ヨーロッパのキリスト教文化とは違う、ムスリムの文化の力強さや空気を体感できたことは、演奏の深い部分で活きていると思います。

*ダンテを読んで：リストのピアノ曲集『巡礼の年 第2年 イタリア』の第7曲。正式題名は『ダンテを読んで──ソナタ風幻想曲』。ダンテの『神曲』の「地獄篇」による、ユゴーの詩に霊感を得て作曲された。（参考：新編 音楽中辞典／音楽之友社）

たった1台のピアノで挑む『シェヘラザード』全楽章

12月20日に浜離宮朝日ホール（東京）で開催されるリサイタル『千夜一夜物語』では、『シェヘラザード』のほかにもボロディンの『中央アジアの草原にて』や『ダッタン人の踊り』、レスピーギ『リュートのための古風な舞曲とアリア』など、オーケストラ作品を複数演奏されます。

ピアノでオーケストラの響きを再現する面白さや、リサイタルにかける想いを伺いました。

── 栗原さんがあえてピアノ1台でオーケストラ作品を弾く理由は何でしょうか？

栗原
ピアノという楽器は、良くも悪くも「一人で何でもできてしまう孤独な楽器」。普段は何十人も集めないと成立しない壮大なオーケストラの曲を、たった一人で表現できてしまう。ピアノの持つ無限の可能性を引き出せるのが、オケ曲のピアノアレンジなんです。

「こんなに面白い曲があるんだよ」と社会に広く伝えていくのは、音楽家の一つの使命でもあります。リストは、ベートーヴェンの交響曲をピアノ1台に編曲して広めましたよね。私も普段ピアノ曲しか聴かない方に、魅力的なオーケストラ曲を知っていただきたいんです。

── 今回弾かれる『シェヘラザード』はどなたの編曲なんですか？

栗原
ギルソンの編曲を元にしています。ただ、そのまま弾くとどうしても音の厚みが足りなくなってしまうところがあったので、オーケストラのような壮大な音圧を出すために音域を広げたり、かなり音を足してアレンジを加えています。レスピーギやボロディンも同様です。手は2本しかないので限界はありますが（笑）。

実は、ピアノで『シェヘラザード』の全楽章を弾くピアニストは世界的に見てもかなり珍しいんですよ。挑戦的な試みですが、純粋に「本当にいい曲だから聴いてほしい」という気持ちが一番大きいです。

──最後に、12月に開催するリサイタルへの抱負を伺いたいです。

栗原
『シェヘラザード』をはじめ、レスピーギやボロディンなど本当に素晴らしいオーケストラ作品をピアノ1台でお届けします。全部私の大好きな曲。「こんなに素晴らしい曲がある」ということを、ぜひ知っていただきたいと思っています。

昨年デビュー20周年を迎え、21年目となる今、数年前から弾き込んできた『シェヘラザード』をCDという形に残し、リサイタルでお披露目できることは、私の中で一つの大きな区切りであり、集大成です。もちろん、一人ではCDを作ることも、浜離宮朝日ホールという素晴らしい舞台に立つこともできませんでした。応援してくださる皆様がいるからこそ、こうした挑戦が続けられるので、心から感謝しています。

本当にたまたまなのですが、リサイタルのある12月20日は私の誕生日。狙ったわけではありませんが、この特別な節目の一日を、会場にいらっしゃる皆様と共有できたらこれ以上の幸せはありません。ぜひ会場で、ピアノが描くオーケストラのドラマを体感してください。

インタビューを終えて──編集後記

広島のリサイタルで聴き手を包み込んだ音色は、『千夜一夜物語』を読み込み、遠く異国の地で現地の空気に触れるという実直な歩みの結晶だったのだと、深く頷かされました。

「人間、食べたものしか出てこない」。だからこそ、自分の血肉となる経験を重ねることが大事なのだと栗原さんはおっしゃいます。

12月に浜離宮朝日ホールで開催されるリサイタルでは、ピアノ1台による壮大なオーケストラの世界がお披露目されます。ご自身の誕生日に、自らの五感を使って掴み取った豊かな物語をどのように響かせてくださるのか、今から楽しみです。